Wadada Leo Smith salue Rosa Parks, l'héroïne des droits civiques, remet en question le mot improvisation en jazz tout en parlant de la mauvaise soupe.

Ayant grandi dans le blues du Delta au Mississippi, son lieu de naissance, et ensuite membre du Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), collectif basé à Chicago, le trompettiste, compositeur et directeur de musique Wadada Leo Smith s’est progressivement placé, la décennie passée, comme l’un des artistes les plus prolifiques et les plus créatifs du jazz. Il collabore depuis des années avec Anthony Braxton, Vijay Iyer ou John Zorn. Il a placé la barre très haute alors qu’il était compositeur finaliste du Prix Pulitzer pour sa pièce épique Ten Freedom Summers (Defining Moments in the History of the United States of America).

Smith a continué à creuser, devenant l’un des pilliers du jazz d’avant garde avec des suites emblématiques comme The Great Lakes Suites en 2014,  America’s National Parks en 2016, et le chef-d’œuvre de cette année, Rosa Parks : Pure Love : An Oratorio of Seven Songs, qui a été publié le 15 février, une dizaine de jours après la date d’anniversaire de naissance de la militante des droits civiques (4 février).

Peu après la parution de son oratorio, Wadada Leo Smith a reçu Qwest TV dans sa maison de New Haven, dans le Connecticut – à une heure et demie au nord est de New York City – où il compose et passe du temps avec sa famille.

Au Lincoln Center, vous avez dit au public que faire de l’art était pénible. Que voulez-vous dire par là ?

Oui oui, c’est vrai. Mais c’est bon pour toi. Tout n’est pas facile. Si c’est facile, cela ne durera peut-être pas longtemps. La vie est pleine de choses faciles qui ne durent pas longtemps. Mais ce qui dure depuis longtemps vient de la souffrance. La vérité est à l’intérieur de la souffrance.

Vos projets les plus récents rendent hommage à des endroits comme Great Lakes et les parcs nationaux. Pourquoi donc ?

Il y a deux choses qui sont les plus importantes sur cette planète. L’un est l’homme et ses relations, et ses familles qui se régénèrent pour devenir de nouvelles générations. C’est spirituel. L’autre est l’environnement dans lequel nous vivons – la Terre et les cycles de transformations qu’elle a traversés, comme le fait qu’il y a des millions d’années, la terre était toute en glace. Mais de nos jours, c’est nouveau pour nous de connaître des climats météorologiques de plus en plus extrêmes. C’est ainsi que nous ne l’avons façonné, pas en tant qu’êtres humains spirituels mais dans notre façon de la détruire.

Pourquoi avez-vous décidé de composer Pure Love ?

Je voulais célébrer Rosa Parks [1913-2005] en tant qu’être humain visionnaire, et sachant comment elle a déclenché toute une révolution basée sur les droits et la justice. Je voulais qu’on s’y intéresse de plus près dans nos vies. Elle était une militante bien avant de refuser de s’installer à l’arrière de ce bus à Montgomery, en Alabama. Elle est une figure historique du mouvement pour les droits civiques ici en Amérique. C’est comme je l’ai écrit dans les notes de couverture : Rosa est avec nous et sera toujours parmi ceux qui aiment. Je voulais utiliser ses mots « Knowing what must be done does away with fear » dans la chanson « No Fear » qui contribue à faire de Pure Love une poésie prophétique.

Pourquoi avez-vous imaginé Pure Love comme un oratorio ?

Je voulais utiliser la forme de la chanson pour exprimer mes idées et ma médiation sur le mouvement des droits civiques. J’ai écrit cinq chansons lorsque ma famille est allée en vacances à Nantucket dans le cadre d’un processus de guérison pour ma fille [Sarhanna] qui avait été heurtée par une voiture au milieu d’un passage piéton par un type qui ne s’était pas arrêté à un stop. Elle a failli mourir. Là-bas, j’ai écrit les chansons, pas seulement pour les écrire, mais pour retenir ce que je ressentais. Je suis rentré à la maison et j’ai transformé toutes les chansons et en ai ajouté deux autres. Il s’agissait de « True lovers fill up their hearts with light and love ».

Qu’y a-t-il derrière la narration de l’œuvre ?

C’est basé sur le rêve. Partout dans le monde, des gens rêvent de Rosa. Ici, Rosa y enseigne sept chansons. Le lendemain matin, ces personnes se réveillent et sont capables de transmettre ce qui était dans leur rêve. Et ils pourront l’enseigner à leurs parents et à leurs amis. Les voix que j’ai choisies dans les chansons représentent la sphère universelle et l’évolution des relations humaines. Le morceau crée un forum interne qui examine comment nous pouvons changer la société. Il s’agit de sortir de l’impasse des sphères politique et religieuse. C’est un paramètre beaucoup plus large du comportement social. C’est une question de spiritualité.

Comment êtes-vous arrivé avec un arrangement aussi inhabituel pour votre groupe ?

Après mon retour de Nantucket, je savais ce que je cherchais : un quatuor de trompettes [BlueTrumpet Quartet], un quatuor à cordes [RedKoral Quartet], trois chanteurs [Diamond Voices] et un duo électronique [Janus Duo]. J’ai amené toutes ces personnes pour élargir la couleur et la palette, pour en faire une pièce beaucoup plus large. Obtenir ces trois voix était comme un miracle. Je n’avais pas envisagé cela de la sorte, mais j’ai une chanteuse d’origine chinoise [Min Xiao-Fen], mexicaine [Carmina Escobar] et afro-américaine [Karen Parks]. Je ne l’ai pas planifié de cette façon. Ça vient d’arriver. Mais quand j’ai réalisé ce que j’avais, je l’ai pensé comme une belle voix utopique. Je sens que c’est quelque chose d’unique. Je ne peux pas penser à un autre groupe mêlant deux quatuors, un duo et trois chanteurs. Donc, je me suis senti tellement indépendant que j’ai créé cela.

Vous n’aimez pas utiliser le mot improvisation pour décrire votre musique. Pourquoi ?

J’utilise le mot créer. L’improvisation était forte à la fin des années 60 et au début des années 70. Mais ensuite, cela a été très pollué, comme si vous pouviez tout mettre en œuvre pour jouer ce que vous voulez. Il n’y a pas de leadership, pas d’orientation. Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis, Bessie Smith ou Abbey Lincoln n’ont aucun mal à créer des opportunités dans leur musique. Les gens qui se disent improvisateurs aujourd’hui sont comme une soupe. Vous pouvez tout ajouter en même temps et la faire cuire. Mais c’est une mauvaise soupe. Vous devez cuisiner diverses portions et ajouter différentes choses, comme des épices, ce qui est censé être de faire de la musique dans le présent. C’est comme ce que le Créateur a créé au début. C’est l’authenticité. Vous apportez quelque chose dans l’être. Et d’ailleurs, personne n’a vraiment de bonne définition dans aucun dictionnaire d’improvisation, qui est très utilisé dans le monde académique.

Quelle est la suite pour vous, dans cette période prolifique ?

Je regarde comment ma carrière a été promue, à commencer par le soutien de John Zorn. Il m’a fait confiance et a été l’une des premières personnes à croire que je pouvais pousser mes projets musicaux à un niveau élevé. Puis il y avait Cuneiform Records et ECM et maintenant Tum. En ce moment, je suis toujours occupé. Mon dernier projet est une suite dynamique majeure pour ECM, mon groupe The Golden Quartet, qui propose une autre façon de voir qui je suis dans la relation entre ensemble et musicien. C’est un projet d’une année avec 12 musiciens dans cinq ensembles différents. Il n’a pas encore de titre, mais ce pourrait être Passionata – mot italien qui signifie sensation et empathie.

Que faites-vous maintenant pour rester au chaud en hiver ?

Je suis à la maison à New Haven avec mes filles et mes petits-enfants. J’adore faire du babysitting une ou deux fois par semaine. J’ai arrêté d’enseigner en 2013. Je compose actuellement de la musique et je joue entre 10 et 12 concerts par an. À la maison, je lis un peu, je regarde quelques films et je prépare ma propre soupe comme il convient. Je crée au moins trois soupes différentes chaque semaine. Et elles sont toutes bonnes.


Wadada Leo Smith, Rosa Parks : Pure Love (TUM Records)

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