Snarky Puppy, l'invité du mois de Qwest TV, sort Immigrance, un nouvel album. Michael League nous raconte cette nouvelle aventure, ainsi que son amour des percussions et la nécessité de penser au-delà des frontières pour un groupe qui a toujours cultivé l'ouverture dans sa musique.
Il suffit de quelques minutes d’un concert de Snarky Puppy pour réaliser que quelque chose de frais est sur le point de se produire. Les triples détenteurs d’un Grammy Award ont un goût prononcé pour l’improvisation et sont toujours désireux d’explorer des territoires inconnus. Au cours de leurs enregistrements en studio et de leurs performances en direct qui ont recueilli des millions de vues en ligne, ces geeks de la musique ont démontré qu’ils pouvaient jouer de tout, du rock au néo-soul, en passant par la musique du monde et le funk.
Que l’Université du Nord du Texas, où le groupe a été créé, ait été la première à proposer un programme de jazz aux États-Unis ne doit pas être trompeur : Snarky Puppy, c’est autre chose. Rien d’étonnant à ce que le cerveau derrière ce collectif embrasse la diversité culturelle. Dans un environnement commercial, Michael aurait été ce PDG en démarrage avec une forte détermination et des vêtements décontractés. Notre conversation était aussi décontractée.
Snarky Puppy est plus un collectif qu’un groupe en soi. Comment vous voyez-vous dans ce collectif ?
Eh bien, j’ai formé le groupe il y a environ 16 ans et mon rôle a changé au fil des ans. Pendant longtemps, je n’étais pas seulement le leader, mais également le seul compositeur, le manager, promoteur, chauffeur de bus, graphiste, producteur… Je faisais tout en plus de jouer ! Mais ensuite, nous avons progressivement embauché des professionnels et aujourd’hui je n’ai plus à faire cela. Et maintenant, beaucoup de gars écrivent aussi de la musique pour le groupe. Si nous jouons un concert, 60 à 70 % des chansons sont de moi, mais le reste vient d’autres gars, et c’est vraiment sympa. Au fil du temps, je suis plus en train de diriger que d’agir. Tous les musiciens savent ce qui définit le groupe maintenant : ce qui fonctionne, ce qui nous fait nous sentir bien sur scène, à quel point tout le monde est à l’aise ou est mis au défi. Je n’ai plus besoin d’implanter des idées dans la tête des gens. Nous ne ne faisons qu’un, tous ensemble.
J’ai cru comprendre que le processus de répétition était inexistant ?
Correct !
Pouvez-vous décrire comment cela fonctionne ? Cela semble tellement compliqué et simple à la fois. Le compositeur fait tout avec Logic, envoie toutes les parties à tous les membres du groupe sans leur dire quoi jouer, puis vous vous rencontrez et arrangez la chanson pendant le concert. Est-ce exact ?
En fait ça dépend. La plupart du temps, nous répétons une chanson juste avant de l’enregistrer. Ensuite chacun peut apprendre sa partie à partir de l’enregistrement. Je préfère faire mes démonstrations comme vous l’avez expliqué, mais ce n’est pas comme si nous l’avions arrangé à la volée. Tout le monde vient apprendre toutes les parties, puis je fais des recommandations sur ce qu’il faudrait jouer. Mais si nous avons une autre idée, nous changeons et les gens apportent également beaucoup dans ce processus. C’est vraiment un effort de groupe à ce stade.
Pensez-vous qu’avoir tout cartographié limiterait votre processus de création ?
Oh oui, à bien des égards ! Pas seulement qui joue quoi, mais quel est le rythme, ce que l’on ressent ou ce que sont les accords. Nous écrivons la partition après, après la sortie des albums. Dans le cas de cet album, nous avons répété le matin et enregistré l’après-midi, c’était donc vraiment une chanson d’une durée de quatre heures.
Ce serait votre façon préférée de faire les choses. Qu’en est-il des autres ? Partagent-ils votre conception ?
Nous sommes les mêmes. La différence est que certains types sont plus précis sur qui joue quoi.
Je suppose que cette façon de séquencer une chanson vous aide à improviser tout au long du spectacle.
Oui, je m’assure que nous sommes tous dans le moment. Si quelqu’un sait qu’une certaine section fonctionne toujours d’une certaine manière, il est plus facile pour lui de se déconnecter. Mais si tout peut être changé, il faut alors que tout le monde soit concentré et conscient de ce que les autres jouent.
En ce qui concerne le processus d’écriture, je me souviens que vous concentrer sur le concept de forêt pour Sylva (note de la rédaction : album live de Snarky Puppy enregistré en 2015 avec Metropole Orkest) vous avez aidé tout au long du processus d’écriture. Comment cela s’est-il passé pour ce nouvel album ? Avez-vous d’abord inventé le concept Immigrance puis essayé de l’insérer dans toutes les chansons, ou l’avez-vous identifié par la suite, lorsque toutes les chansons avaient été écrites ?
C’était l’opposé de Sylva. Le concept du titre ainsi que l’illustration sont venus après que tout ait été mélangé. Et puis quand j’ai écouté l’album, j’ai senti qu’il y avait une sorte de message dans la musique. Je pensais que cet artiste turc, Zeycan Alki, serait la solution idéale. Son art a un style si personnel, il est très provocateur !
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Pouvez-vous élaborer sur le concept ? Qu’est-ce que cela signifie d’un point de vue social et politique ?
Tout se résume à l’idée que l’identité est un concept très fluide. Ce n’est pas figé et pourtant beaucoup de gens se disent : « Je suis américain, je suis blanc, le blues est ma musique ». Mais nous ne sommes que des conséquences de beaucoup de choses qui se sont passées avant nous, dans de nombreux endroits. Le blues est une musique américaine, mais si vous écoutez de la musique malienne, vous comprenez qu’il existe une relation claire entre elles. Et si un Malien dit qu’il a inventé le blues, vous remontez au Moyen-Orient et au commerce des esclaves pour comprendre d’où ce Malin est originaire. Tout est fluide, rien n’existe dans une bulle. Et nous, musiciens, immigrons constamment d’une manière ou d’une autre. Chaque fois que nous apprenons un nouveau style, une nouvelle chanson, nous laissons derrière nous le musicien et prenons de nouveaux éléments qui deviendront ce que nous serons. Et par conséquent, nous sommes toujours en mouvement, nous enlevons toujours notre ancienne peau et en revêtons une nouvelle, comme le ferait un immigrant lorsqu’il doit s’adapter à un nouvel endroit. Je pense qu’il existe un réel manque d’empathie pour les personnes aux prises avec ce problème, en particulier dans mon pays, récemment, mais également dans de nombreux pays du monde entier. Je suis un immigrant récent en Espagne, mais je suis un immigrant de luxe : j’ai déménagé en Espagne parce que j’ai choisi de le faire. Beaucoup de gens n’ont pas ce choix et ne bénéficient pas de ces circonstances.
Alors, qu’est-ce qui vous attire en Espagne, culturellement parlant ?
Eh bien, Donald Trump n’y est pas, pour commencer ! J’aime la qualité de la vie, je suis un bourreau de travail, alors être dans un pays où les gens ne le sont pas est une bonne chose pour moi. Vivre dans un endroit où le rythme de vie est plus lent, où les gens prennent le temps de manger, où les choses se passent de manière plus détendue : c’est bon pour moi, car je peux être très différent.
J’ai une question provoc’. Maintenant que vous êtes basé en Espagne…
…Provoque-moi !
Que pensez-vous de Rosalía ? Elle mélange évidemment de nombreux styles dans sa musique tout en restant fidèle à la tradition espagnole du flamenco, mais en même temps, elle est acclamée par la critique et est devenue mainstream. Je sais que vous avez haussé la voix contre la musique mainstream en promouvant au contraire la « bonne musique ».
J’étais fan de Rosalía des années avant Malamente. Je pense qu’elle a une voix incroyable, c’est une musicienne incroyable, et en tant qu’être humain, je l’aime vraiment. Chaque fois qu’une personne comme elle fait quelque chose comme elle, c’est-à-dire prendre une forme de musique très sacrée et la mélanger avec d’autres choses, les gens se fâchent. Et je pense qu’il est sain que les gens se fâchent parce que cela les fait réfléchir.
Si Camarón (note de l’éditeur : Camarón de la Isla) est la figure principale du flamenco, que s’est-il passé à la sortie de son premier disque ? Tout le monde a-t-il dit « Oh oui, c’est ça le flamenco ! » ? Ou est-ce que les gens ont dit : » Qu’est-ce que c’est que ça ? » Il est intéressant de réfléchir à ce que les gens pensent de la musique, des artistes, de l’évolution, du sacrilège, de l’hérésie et de la pureté. Tous ces concepts sont tous très subjectifs. Et nous sommes toujours comme ça ! Il y a beaucoup de musiciens de jazz qui pensent que ce que nous faisons est irrespectueux.
Mais il y a aussi une tendance à mélanger les genres, avec beaucoup de groupes arrivant sur la scène jazz incorporant des éléments de hip hop par exemple.
Oui, mais voici ce qu’il se passe avec Rosalía : beaucoup de gens qui vont se plaindre d’elle vont obtenir beaucoup plus de concerts grâce à elle ! Elle remet la musique flamenco dans l’esprit des gens. Et je suis sûr qu’il y a des gens qui pensent que Snarky Puppy n’est pas du jazz. D’ailleurs, pour être parfaitement honnête, je ne pense moi-même pas que c’est du jazz. Ces personnes pourraient penser que c’est sacrilège ou impur. Mais il y a beaucoup de gens qui ont commencé à écouter Coleman Hawkins, John Coltrane, Miles Davis et Herbie Hancock, qui n’avaient jamais entendu parler de ces personnes, parce qu’ils écoutaient l’expérience de Robert Glasper, Esperanza Spalding, Snarky Puppy, ou le facteur RH de Roy Hargrove. Nous devons comprendre que ce que nous n’aimons pas peut aider les musiciens et la musique.
En parlant de culture, votre obsession pour le rythme m’intrigue. Cela ne devrait pas être surprenant car vous êtes évidemment bassiste et la section rythmique vous tient à cœur. Néanmoins, l’attention que vous portez aux détails et le fait que vous avez appris la percussion turque, d’où vous vient cet intérêt ?
Je pense que beaucoup de musiciens sont des batteurs frustrés ! Il s’est passé quelque chose en moi, alors que nous jouions en Turquie pour la première fois et qu’un groupe de däf [ndlr : une batterie turque) appelé Defjen jouait « Shofukan » [ndlr: de l’album We Like It Here 2014]. Et après le concert ce soir-là, nous sommes allés au studio de répétition et ils nous ont des leçons de Däf. Et j’ai eu un moment cathartique très profond lorsque j’ai réalisé que cela faisait partie de mon esprit musical que je n’avais jamais développé. J’ai donc commencé à étudier le Däf, puis le Dochola [ndlr : une darbouka turque], puis j’ai été en Andalousie une semaine pour prendre quelques leçons et maintenant je pratique le cajon.
Je ne joue pas vraiment bien ce genre de musique, mais cela me fait vraiment progresser en tant que musicien. Cela me permet d’améliorer mon sens du temps et mon sens du rythme, ainsi que ma compréhension de ce qui se passe derrière la batterie. Parce que comprendre ce que les autres font avec d’autres instruments est important. Cela mis à part, cela a été très spirituel et c’est très curatif physiquement de jouer des percussions. Elles ont une telle résonance et tactile, que votre corps a besoin de bouger d’une certaine manière pour créer un bon son. Aussi développe-t-on une relation unique autant avec l’instrument qu’avec soi-même. Je n’avais jamais expérimenté ça.
Ce qui est également intéressant avec les percussions, c’est que vous avez une grande diversité d’instruments provenant de différentes cultures. Alors que la plupart des instruments de jazz viennent…
… Des États-Unis.
Exactement, il y a donc un élément d’ouverture d’esprit lorsque vous décidez de jouer toutes ces percussions. Et voici une autre question provoc’ !
Provoque-moi !
Comment êtes-vous devenu cet homme ouvert d’esprit ayant grandi en tant que Blanc aux États-Unis ?
(Rires) Putain de raciste ! J’ai beaucoup réfléchi à ça. Aux États-Unis, les gens s’intéressent d’abord aux étrangers, mais au final, ils sont fiers d’être Américains et c’est ce qui compte le plus. Personnellement, je ne le suis pas et je pense que c’est parce que ma famille a déménagé tous les quatre ans. Je suis né à Long Beach, en Californie, puis je suis parti en Alabama, en Virginie, au Texas et à New York. Et ces dernières années, j’ai passé 6 à 7 ans en dehors des États-Unis. Donc, pour moi, ce serait un peu bizarre d’être fermé parce que mon état naturel a toujours été de bouger. Quand je suis arrivé de l’Alabama en Virginie, tout le monde s’est moqué de mon accent du sud. Je pense que je n’ai jamais eu le sentiment d’appartenir à quelque part que ce soit.
Cela reflète certainement votre musique, ce qui est une bonne chose. En prenant en compte ces différences et ces acceptations culturelles, comment évitez-vous l’appropriation culturelle ? Prenons l’exemple d’Essaouira pour être plus précis puisque cela a un fort impact sur Immigrance.
La première chose à faire est de comprendre ce qui sonne bien. Vous devez comprendre ce dont vous êtes capable et ce dont vous n’êtes pas capable. Si vous pratiquez régulièrement un instrument, vous apprendrez la technique et comment avoir un bon son. Ce qui n’est pas facile à apprendre, c’est de sonner comme un marocain sonnerait. Si vous écoutez un groupe de gnawa très moderne comme Innov Gnawa, basé à New-York, puis Hamid el Kasri, vous entendrez deux types de swing complètement différents, mais c’est le même rythme et le même mètre sur le même instrument.
Je ne pourrai jamais ressembler à ces gars-là, alors je dois développer ma propre façon de jouer : le même rythme mais avec mes propres sensations, sans essayer d’être ce que je ne suis pas. Donc, la réponse courte à votre question est de comprendre ce qui sonne bien. Et aussi, il est très important de développer une relation qui n’est que la vôtre avec l’instrument ou avec ce que vous avez emprunté à cette culture. J’utilise uniquement des éléments étrangers comme point de départ, puis je me permets de me laisser distraire par mes propres idées et j’avance encore plus loin dans cette voie. Par exemple, il y a un appel dans « Xavi », vers la fin du morceau, qui vient de quelque chose que nous avons fait avec Hamid el Kasri à Essaouira, mais c’est un rythme commun.
C’est comme des appels souvent utilisés dans les percussions ouest africaines.
C’est la même chose ! Donc, fondamentalement, vous devez être respectueux de la tradition et prendre le temps de l’étudier également. Je suis allé au Maroc à quatre reprises pour prendre des leçons de guembri [ndlr: un instrument à cordes issu de la tradition gnawa]. J’en joue chaque soir, avec des musiciens gnawi, pour le faire mien. Je pense qu’il faut le faire avec respect. Et cela s’applique à toutes les cultures.
Parfois, aux Etats-Unis, nous entendons des Européens ou des Asiatiques jouer quelque chose qu’ils n’ont pas leur. C’est comme s’ils avaient entendu Chris Dave jouer une fois, et qu’ils essayaient juste de l’imiter sans essayer d’être eux-mêmes. Et je ne veux pas que les Marocains ressentent cela quand on joue.
Il ne s’agit pas de ce que vous faites, mais de la façon dont vous le faites. Pour revenir à la conversation sur Rosalía, lorsque les gens essaient de débattre de la question, ils ne font que parler de ce que c’est, plutôt que de la façon dont cela se fait. Parce que la vérité est que si quelque chose est formidable, peu importe ce que c’est.
Regardez Metropole Orkest feat Bokanté, Michael League sur Qwest TV !
À part la musique marocaine, quelles autres influences vouliez-vous mettre en valeur sur Immigrance ?
« Even Us » est évident, je suppose, ! C’est turc, bien que la mélodie ressemble à du Piazzolla. Mais l’harmonie est tellement bizarre, c’est vraiment mon truc. « Chonks » est un air tout à fait funk ! C’est intéressant, car beaucoup de membres du groupe n’ont pas commencé à jouer du funk avant d’être adolescents, ils ont grandi en écoutant Nirvana, en particulier les Blancs.
Et vous pouvez toujours l’entendre, pas vrai ? Évidemment, il y a beaucoup de funk dans beaucoup de morceaux, mais à mon avis, il y a aussi des allusions au rock progressif.
Je ne suis pas un fan de rock progressif ! Et je ne suis pas réellement un fan de fusion. Mais je comprends aussi pourquoi les gens pensent que Snarky Puppy est un groupe de fusion, car la fusion en tant que genre ne faisait que fusionner différents genres, et c’est ce que nous faisons tous. Mais pour moi, la fusion est souvent très sportive et virtuose, et Snarky Puppy n’adopte aucune de ces approches.
La plupart des membres du groupe sont virtuoses, mais ce n’est pas ce qui compte. Ce que nous essayons de faire, c’est de groover et de jouer de belles mélodies, en créant un dialogue rythmique entre nous. Et pour moi, c’est plutôt du jazz / funk. Je pense que le rock progressif vient aussi de l’instrumentation que nous avons. Par exemple, la ligne de guitare à la fin de « Chonks », pour moi, c’est Jimi Hendrix. Mais quand vous avez trois guitaristes et synthés, ça sonne comme du rock progressif. Je dirais que ce disque est plus lourd, qu’il y a plus de rock, comme le groove-rock ou le rock industriel, mais pas le rock progressif.
Pouvez-vous expliquer la pochette de l’album ? Je comprends le concept de fluidité et comment les choses se déplacent, mais pourquoi le poisson ?
Donc, Zeycan Alkiş est une artiste turque, dont je suis un grand fan, et elle est très provocante, elle fait de la protestation artistique. Il y a beaucoup de raisons de protester en ce moment en Turquie, et elle l’utilise toujours comme source d’inspiration pour ce qu’elle fait. Pour moi, ce poisson est abstrait, mais il symbolise ce que fait un immigrant en arrivant dans un nouveau pays.
Parce que vous avez l’arête de poisson, qui est la personne réelle, et ensuite vous avez la peau. Et l’œil et les os restent pendant que la vieille peau part, et le poisson continue à prendre une nouvelle peau. Mais il faudra probablement beaucoup de temps avant de changer de peau, ce ne sont que des os pendant un certain temps, car il est difficile de partir de là où vous êtes et de tout recommencer à zéro. Pour moi, cette image résume ce que signifie quitter son ancien soi : être vulnérable et nu.
Les considérations humaines et sociales que vous venez d’exprimer se retrouvent également dans votre travail pour le label et le festival GroundUp. Vous vous décrivez souvent comme un curateur qui tente d’aider d’autres musiciens et de promouvoir de nouveaux talents. Comment cela marche-t-il ?
J’ai l’impression qu’il y a suffisamment de festivals pour engager des groupes populaires. Je pense donc que la mission de notre festival est d’embaucher des groupes que personne ne connaît vraiment et de pouvoir compter sur la confiance que les gens vont avoir dans notre décision lorsque nous choisirons des groupes.
Pendant le festival, nous alternons les deux étapes. En fait, les gens n’ont pas d’autre option ! Et ce que j’ai remarqué, c’est qu’en réalité, les groupes qui obtiennent les réponses les plus fortes ne sont pas les plus populaires, ce sont eux qui offrent le meilleur spectacle. Je me souviens de Paris_Monster l’année dernière, ou de La Perla cette année, ou du C4 Trio : personne n’avait entendu parler d’eux et les gens devenaient fous ! Pour moi, c’était un très bon signe, car cela montre qu’il s’agit d’un public qui ne vient pas seulement voir son groupe jouer ses chansons préférées. Ils sont vraiment ouverts d’esprit.
Je veux donc aller plus loin dans cette direction. Je veux éventuellement ne pas annoncer d’artistes. Nous souhaitons également que le festival soit réduit à 2 000 personnes par jour, ce qui nous met moins de pression. Nous n’avons pas besoin d’engager George Benson et de dépenser la totalité du budget du festival sur un seul artiste. Nous pouvons avoir 10 artistes dont vous n’avez jamais entendu parler qui sont tout aussi incroyables.
La célébrité a effectivement un prix. Et pour revenir aux membres du collectif, êtes-vous toujours en contact avec les personnes qui sont parties, par exemple Cory Henry ?
Bien sûr ! Tout le groupe est allé à son concert la semaine dernière à Los Angeles. Il en va de même pour Sput [ndlr: Robert Searight, ancien batteur du groupe]. Nous avons probablement eu 30 à 40 membres, vous savez ! J’aime le groupe, mais c’est une attente injuste que chaque personne reste pour toujours. Je n’ai jamais eu le goût de jouer dans un autre groupe, j’ai besoin de faire mon propre truc. Tout le monde dans notre groupe a son propre groupe, et c’est magnifique. C’est pourquoi Snarky Puppy est ce qu’il est, il permet aux gens de partir. Si Cory appelle et dit « Hey, je veux revenir jouer », bien sûr que nous l’accueillerons !
Si je voulais postuler pour rejoindre Snarky Puppy, à quoi ressemblerait la description de poste ?
Eh bien, il n’y a pas d’auditions ! Nous savons si une personne convient pour le groupe, en fonction de son statut de personne et de musicien. Mais si vous voulez une liste de compétences pour cela, je dirais : désintéressé, généreux, conscient, un grand auditeur, polyvalent, expressif, humble, quelqu’un qui aime juste groover et qui n’a pas besoin de toujours faire quelque chose de très intéressant, évidemment quelqu’un qui sait bien jouer de son instrument.
Mais les traits les plus importants sont la personnalité et les idées conceptuelles. Tout le monde dans le groupe pense comme un producteur, ce qui signifie » Si je produis ce titre maintenant, que puis-je faire dessus ? « , Même si la réponse est « rien », ne joue pas.
Snarky Puppy, Immigrance (GroundUP Music)
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